Энциклопедия:

1.

*1. Анри Матисс, Натюрморт. Раковина на черном мраморе, 1940

Текст: Алиса Таежная

Четвертого мая в Париже открылась выставка «‎Анри Матисс: Красная комната» — совместный проект Фонда Louis Vuitton, нью-йоркского Музея современного искусства и Национальной галереи Дании. Центральная работа экспозиции — знаменитое полотно Матисса, созданное 110 лет назад в мастерской художника в Исси-ле-Мулино. Кураторы выставки собрали богатую подборку архивных материалов, дополняющих то, что мы уже знаем о работе. Выставку можно посетить до 9 сентября 2024 года. 

Как анри Матисс 

стал художником, 

а не адвокатом

Как многим детям из обеспеченных семей, Анри Матиссу была уготована судьба делового человека. Отец, хозяин лавки в небольшом городке Боэн-ан-Вермандуа на севере Франции, мечтал видеть сына юристом. И мечта его начала осуществляться: Анри учился в Париже, потом работал клерком в адвокатской конторе. Но в планы семьи вмешалось одно неприятное событие. В 20 лет у Анри случился приступ грыжи — и восстанавливаться ему пришлось лёжа. Тогда мать Матисса, занимавшаяся дома керамикой, принесла ему в кровать бумагу и краски, чтобы сын мог чем-то занять себя в свободное время, а сосед-художник увлек больного рассказами об искусстве. После нескольких недель невероятного удовольствия от рисования Анри втайне от родителей записывается в ближайшую художественную школу, а через два года, поскандалив с отцом, уезжает в Париж. Там через несколько лет он поступает в Школу изящных искусств при Академии художеств.

«Корсиканский пейзаж. Оливы», 1898

«Букет цветов в белой вазе», около 1909

Как Матисс стал «диким зверем» европейского искусства

Классическая школа в образовании французских художников тогда доминировала, и начинающему художнику было необходимо разбираться в искусстве античности и Ренессанса. Но помимо классиков, Матисс очень полюбил картины прогрессивного Эдуарда Мане и японские гравюры: именно оттуда в работы раннего Матисса перекочевали простые линии, глубокие контрасты и использование нескольких базовых цветов. Любознательный и деятельный Матисс знакомился с другими художниками без всякого стеснения, когда был ещё малоизвестным студентом. Раньше многих ровесников он познакомился с Писсарро и по его совету изучил живопись британца Тёрнера и своих соотечественников Гогена и Сезанна — в тот момент оба уже считались революционерами в живописи.

Примкнуть к уже существующему направлению или основать собственное — таким был выбор художника той эпохи в поисках славы и признания. И Матисс выступил за «дикость», став основоположником движения фовистов — французских художников, предпочитавших использовать в пейзажах, натюрмортах и портретах дерзкие цвета и резкие линии.

«Женщина в шляпе», 1905 

«Открытое окно, Коллиур», 1905 

«Японка около воды», 1905

В ранних произведениях Анри Матисса рубежа XIX-XX веков легко рассмотреть зарождение его «фирменного» стиля. Художник не боялся ни крупных мазков, ни ярких теней, ни густых насыщенных цветов, постоянно экспериментировал с перспективой, придавая объём предметам или, наоборот, уплощая их. Искажённые силуэты столов и стульев, плоские фигуры в пространстве, которым Матисс намеренно не давал третьего измерения, особенное внимание к поверхностям, будь то апельсиновая кожура или узор кухонной скатерти — со значительными изменениями эти находки раннего Матисса стали частью манеры его фовистского периода.

Фовизм просуществовал недолго (к 1908 году группа распалась), но успел обескуражить публику холстами с зелёными лицами, розовыми горами и свободными силуэтами и очертаниями — такое не могли себе позволить художники из академии. Правда, признание соратников было никак не связано с материальным успехом. Как у большинства художников-модернистов, у Матисса были проблемы с регулярным заработком, поэтому интерес и покровительство коллекционеров (в том числе русских — Сергея Щукина и Ивана Морозова) поправило положение художника и позволило ему жить несколько благополучнее, чем некоторые его современники. Формальный распад фовистов на Матисса почти не повлиял. В это время он искал вдохновение не в Париже, а в новых местах, куда не доезжали его менее открытые к новому опыту современники.

«Зеленая полоса», 1905

«Портрет Л. Н. Делекторской», 1947

Тарелка «Женское лицо (Портрет Л.Н.Делекторской)»

Как Матисс путешествовал и вдохновлялся экзотикой

Место жительства нередко диктовало художникам палитру и сюжеты. Привыкший писать в Голландии хмурых «Едоков картофеля» Ван Гог переродился как живописец, попав на юг Франции. Гоген пережил творческий подъем на Таити. Для Матисса таким поворотом стала поездка в Северную Африку — во французские колонии. Оказавшись в Алжире, а несколько лет спустя и в Марокко, Матисс открыл для себя не только африканские пейзажи, но и локальный образ жизни, никак не вписывавшийся в категории парижского буржуазного стиля. Вместо монохромных домов на парижских улицах — пестрые ковры и цветные стены марокканских городов, вместо широких улиц — узкие проходы-лабиринты, вместо сдержанных интерьеров — полихромная мозаика, так напоминавшая о керамике, которой была увлечена мать мастера. Архитектура и одежда максимально отличались от принятых в европейском обществе. Ослепительное солнце, не свойственное Парижу, создавало в холмистых североафриканских городах уникальное освещение — цвета казались ярче, контрастность — выше.

«Зора на террасе», 1912–1913

«Марроканский триптих. Вид из окна. Танжер»,1912–1913

«Вход в Касбу», 1912–1913

Как известно, в мусульманских странах, где запрещены изображения человека, орнаментам, текстурам и прикладному искусству уделяется больше всего внимания. Вдохновившись интерьерами и костюмами Северной Африки, куда Матисс впервые попал в 1906 году, ее необычной для европейца архитектурой и минималистичной обстановкой частных домов, он вернулся во Францию новым художником. Излюбленный прием Матисса – построение пространства как сочетания декоративных плоскостей — наиболее выразителен в серии его «комнат»: интерьеров с человеческими фигурами, которые художник писал на протяжении нескольких десятилетий. Орнаментальная интерпретация обоев и ковров, уплощенность человеческих фигур и предметов, расставленных в пространстве против правил перспективы, будто бы вырезанные из бумаги виды за окном – эти черты картин Матисса стали источником вдохновения для дизайнеров одежды и фотографов, экспериментировавших с глубиной резкости.

Как для Матисса меньше значило больше

В середине нулевых годов XX века Матисс начинает двигаться в сторону упрощения. Реализованный им принцип less is more — ещё не минимализм, но уже и не живопись импрессионизма и постимпрессионизма. Больше всего Матисса в тот момент занимает плавность движения и связь человека с окружающей средой. Эту связь он пытается передать простыми способами: люди становятся предметами или фоном, или они могут сливаться в движении. Обманчиво простые «Танец» и «Музыка» — это соседство ярких цветов: насыщенных синего, зелёного, красного. Любопытно, что те же цвета были основными в наборах карандашей, которыми Матисс рисовал лёжа после операции. Художника до почтенного возраста преследовали обвинения в инфантилизме и упрощении, а критики хоронили его живопись стенаниями об упадке художественного мастерства. Современные историки искусства говорят обратное: для воспитанного академией художника невероятно сложно отбросить всё, чему его научили, и вернуться к чистому цвету, примитивным формам и интуитивному восприятию пространства.

Сейчас мы можем констатировать, что искусство конца XIX — начала XX века — это постоянное развитие, work in progress. Процесс, в котором нет главного и второстепенного, а каждая незначительная работа может привести к инновациям и следующим открытиям. Именно с систематических экспериментов начался поздний период в карьере Матисса, когда художник стал мировой звездой, но после тяжелейшей операции в 1941 году оказался прикован к инвалидному креслу — больше он не мог работать стоя. Матисс не бросал искусство из-за болезни: на помощь пришли ножницы и бумага (её художник часто раскрашивал гуашью). Так на свет появились знаменитые декупажи Матисса — минималистичные, наполненные цветом аппликации контуров людей, животных, цветов и узоров. На контрасте с общей депрессивностью искусства военного и послевоенного времени, жизнерадостные декупажи Матисса, как и «Голубка» Пикассо, стали символами надежды западного мира на обновление.

«Танец», 1910

«Икар», 1947

«Улитка», 1953

Почему Матисс современен в XXI веке

Художников, к которым постоянно обращаются в визуальной культуре, на самом деле не так много, и несмотря на растиражированность образов Матисса, его популярность не стихает. Целый арсенал его фирменных приёмов можно брать на вооружение, благо инноваций художника хватит на десятки успешных карьер. Простые и глубокие цвета, лёгкие формы, как будто небрежно нарисованные узоры, сломанная перспектива, упругость движения, детская храбрость декупажей... Матисс стал вечным любимцем графических дизайнеров и иллюстраторов — Антти Калеви, Мередит Хэттем и Atelier Bingo актуализировали Матисса для графических решений, живописи и интернет-платформ.

Atelier Bingo

Антти Калеви

Если вы когда-нибудь видели плавные линии волн в бассейне или фиолетовые стволы и дороги на холстах современного британского классика Дэвида Хокни, то легко уловите сходство c Матиссом. Хокни предпочитает яркие цвета, искажённую перспективу и силуэты, которые в любой момент будто превратятся в узоры. Другой признанный современный живописец Питер Дойг работает с пейзажами и крупными объектами: люди, написанные розовым, или пёстрые рубашки персонажей его картин наверняка понравились бы фовистам. Не самое очевидное сочетание ярких цветов — узнаваемый прием Матисса на протяжении всей карьеры — используют в той или иной мере самые признанные художники наших дней, от Олафура Элиассона до Джеймса Таррелла.

Питер Дойг «Два дерева»,2017

Дэвид Хокни «Каньон Николс», 1980

Как мода обращается к Матиссу

Дизайнеры одежды тоже не перестают пользоваться находками Матисса: начиная с известной коллекции Ива Сен-Лорана (он, кстати, тоже был огромным фанатом Марокко и магрибского декоративного искусства) и палитры Пола Смита, заканчивая современными независимыми дизайнерами, заимствующими силуэты из коллажей и мотивы картин Матисса для принтов. Весной прошлого года в Guardian, например, вышла статья о том, как Анри Матисс в очередной раз стал вдохновением нового фэшн-сезона: находки высокой моды были стремительно адаптированы под масс-маркет. И если кончаются идеи о том, как организовать пышную и одновременно простую фэшн-съёмку, то портреты в интерьерах с богатыми текстурами, искажённой перспективой и салонными позами моделей — идеальное решение.

Один из самых ярких примеров использования идей Матисса в фэшн-съёмке — работы Ги Бурдена, фаната голубых бассейнов, красных лаковых туфель и женских ног. Современная фотография тоже заимствует силуэты и сочетания оттенков французского мастера, его тягу к экзотике, яркому свету и бешеным цветам. Выразительные примеры такого заимствования — работы голландки Вивиан Сассен, одной из самых интересных фигур в современном фотоискусстве, которая зарабатывает в том числе рекламой и даже видеоклипами.

«Настурции. Панно Танец», 1912

Paul Smith, осень-зима 2013

«Красные рыбы (Золотые рыбки)», 1912

Ги Бурден

Вивиан Сассен

Отголоски работ Матисса так часто встречаются в ежедневной жизни — от продакт-дизайна до типографики — что мы давно не считываем его влияние. Невозможно представить, что его новаторским идеям, в наши дни растиражированным на футболках, постерах и в интерьерах, сто и более лет. Посмотрите на работы Матисса еще раз, чтобы заново ощутить, как влияет на нас его искусство. И еще раз удивиться этому.

Автор: Алиса Таежная 

Фотограф: Николай Коньков   

КОманда:

Продюсер: Светлана Павлова

Дизайнер: Анастасия Гинцяк

Менеджер: Али Мураткали    

Ассистент менеджера: Анастасия Щербакова         

Выпускающий редактор: Полина Крюкова